Suivez les règles et principes de base pour créer un grand art

Pour l'observateur occasionnel, le monde des arts peut sembler inaccessible.

En regardant une peinture, en regardant un ballet ou en entendant un concert classique, le grand public et les amateurs d'arts auront une réponse émotionnelle, mais ils peuvent ne pas comprendre comment ces œuvres ont été créées.

Beaucoup de gens croient que le talent, la chance et le génie sont responsables de faire naître un grand art. Bien que ceux-ci jouent définitivement un rôle, ils ne sont pas toute l'histoire. Bien que cela puisse passer inaperçu par des yeux moins formés, tous les arts sont soutenus par une fondation commune: Principes de conception, qui varient selon la discipline.

Les danseurs apprennent à jouer à temps avec leurs collègues artistes, afin qu'ils se déplacent comme une seule unité. Les peintres et autres artistes visuels apprennent à manipuler des éléments de perspective, de composition et d'utilisation de la lumière ou de l'ombre.

Les musiciens classiques étudient des règles d'harmonie et de forme musicale; Ils apprennent à réaliser une bonne intonation et à déplacer leur corps d'une manière qui produit le son souhaité.

Une solide compréhension des principes de conception sous-jacente de votre métier est essentiel pour devenir un artiste sophistiqué et mature. La musique de Bach et Beethoven n'existerait pas sans leur maîtrise totale des règles de l'harmonie; Monet et Vermeer ne seraient pas célébrés sans leur contrôle complet de la perspective et l'utilisation de la lumière dans leurs peintures.

Dans chaque discipline artistique, la connaissance et le respect des principes fondamentaux de son sujet sont inculqués dès les premiers niveaux et sont continuellement utilisés comme base pour la construction à des niveaux de maîtrise plus avancés.

Les étudiants et les professionnels utilisent ces philosophies de base établies pour informer leur travail quotidiennement, même aux étapes les plus élevées de leur carrière.

À travers les formes d'art, la plupart de ces principes sont liés aux aspects techniques de la façon dont vous devez exécuter un mouvement ou un coup de pinceau particulier, ou où placer un sujet ou une note particulier, plutôt qu'à des concepts esthétiques.

Ainsi, il est facile de les voir de manière rigide, plutôt que comme un cadre de soutien. Pourtant, à mesure que vous avancez dans votre métier, vous voyez que chaque artiste a sa propre interprétation des principes; C'est ce qui permet à chaque œuvre d'art et à chaque artiste d'être différent d'une autre.

En maîtrisant les préoccupations techniques et en affinant continuellement votre technique, vous apprendrez à manipuler les règles à votre manière, ce qui donnera un sens, un caractère distinctif et une expression personnelle à votre travail. Bach, Beethoven et tous les grands maîtres ont perfectionné puis ont plié les règles; C'est ainsi que vous deviendrez aussi un artiste unique et mémorable.

Les arts visuels comme le dessin peuvent être particulièrement difficiles, car vous devez représenter des éléments tridimensionnels sur une surface bidimensionnelle. Mais, suivre certains principes, même en tant que débutant, aidera votre art à être convaincant et expressif avec moins de frustration et d'effort. Jetons un coup d'œil à certaines des techniques de conception fondamentales qui sont essentielles pour tous ceux qui dessinent.

Composition
La composition est la disposition de tous les éléments de votre dessin. La forme, la ligne, la couleur, le ton et l'espace font partie de cela.

Avant de commencer à dessiner, il est préférable de faire des croquis préliminaires et de planifier ce que vous voulez dessiner. Une fois que vous avez fait cela, la première chose à laquelle vous devrez penser pour votre dessin est la forme. Dès le début, vous devez établir la grande forme globale (contours) pour votre dessin entier.

Vous ne devriez commencer à travailler sur les plus petites formes d'objets individuels après que vous soyez convaincu que vous avez transmis le contour que vous souhaitez. Essayer d'abord de dessiner les plus petites formes conduira à la frustration; Votre travail manquera de définition et ne sera pas aussi convaincant qu'il pourrait l'être. En d'autres termes, ignorez les détails jusqu'à ce que vous obteniez les bases correctes!

La ligne est la façon dont vous guidez un spectateur à travers votre peinture. Les lignes horizontales, comme celles des dessins de paysage, transmettent généralement un sentiment paisible; Les lignes diagonales peuvent ajouter une tension. En général, les courbes donnent une sensation beaucoup plus naturelle et agréable que les lignes droites; Ils donnent également à votre pièce un bon sens du mouvement, donc ça a l'air plus réaliste.

La couleur, bien sûr, traite des couleurs que vous utilisez dans votre palette. Il s'agit également de l'intensité - vous devez faire un choix sur la saturation (vive) ou subtile que vous voulez que les couleurs soient, et si vous voulez les utiliser pour exprimer l'idée de lumière ou d'obscurité.

Le ton, également appelé ombrage ou «valeur», est directement lié à la couleur. Vous pouvez utiliser l'ombrage pour créer des ombres dans votre travail (comme les ombres créées par le soleil dans un paysage, par exemple). Cela permettra à votre travail de paraître tridimensionnel et de donner au spectateur un sentiment de profondeur.

Pour que votre art fonctionne, vous devez également considérer votre utilisation de l'espace.

Pensez à la quantité d'espace que vous souhaitez entre les éléments de votre dessin (connu sous le nom d'espace négatif) et la quantité d'espace que vous aimeriez que les objets de votre dessin à remplir (espace positif). Cela variera en fonction du type de dessin que vous faites.

Dans l'art occidental, l'espace négatif est souvent rempli de couleur ou même d'ombrage, mais un art asiatique laisse l'espace blanc blanc du papier lui-même autour de l'objet central; Cela peut aussi être très efficace.

Une chose à retenir, ne mettez pas la même quantité d'espace négatif entre chaque élément de votre pièce - pour garder les choses intéressantes, il est important de varier la forme et la taille de l'espace négatif.

Équilibre et unité
L'équilibre et l'unité sont considérés comme les caractéristiques du "bon" art conventionnel. Il y a des règles d'or, toutes éprouvées par les grands artistes, que vous pouvez utiliser pour trouver l'équilibre dans vos propres pièces.

Mais d'abord, certains conseils généraux qui aideront à faciliter le suivi des règles d'or. Il est important qu'il y ait un domaine principal d'intérêt et de concentration dans votre dessin, afin que le spectateur sache quoi regarder et n'est pas distrait par trop de petits éléments.

Placez votre sujet le plus important légèrement décentré dans votre travail pour donner un bon flux pour le spectateur, et assurez-vous qu'il fait face au dessin, pas hors de votre image.

Assurez-vous de ne pas couper votre peinture directement en deux, verticalement ou horizontalement, car cela peut sembler moins réaliste. Si vous utilisez une ligne d'horizon dans votre travail, assurez-vous qu'il n'est pas au centre de l'image - placez-le haut ou bas pour qu'il montre plus "ciel" ou plus "sol", selon ce que vous êtes dessin.

Et maintenant, les règles d'or. La première règle d'or est la règle des tiers, et elle est en fait liée à la moyenne dorée elle-même. La moyenne dorée, ou rapport doré, a guidé les artistes classiques depuis des siècles. Il indique que les éléments d'une œuvre d'art doivent être placés pour que chaque élément soit dans une proportion de 1 à 1.618 (environ 3 à 5) par rapport à tout autre élément. La règle des tiers est une version simplifiée du juste milieu.

Pour le suivre, Divisez votre dessin en une grille de 3 colonnes et lignes, toutes égales en taille. Placez votre sujet principal et vos petits domaines d'intérêt près de l'une des lignes de votre grille, et si vous le pouvez, visez à les placer à l'intersection des rangées et colonnes de la grille. Cela créera facilement un équilibre idéal dans votre dessin, car il vous oblige à éviter de mettre des éléments importants dans des zones qui couperaient visuellement la pièce en deux, arrêtant les yeux du spectateur.

Comme la règle des tiers, le La règle des cotes est également basée sur des nombres impairs. Pour obtenir un dessin réaliste, vous devriez avoir un nombre impair de sujets dans votre pièce, comme 1 ou 3, plutôt qu'un nombre uniforme. Si vous n'avez qu'un seul point focal principal, Mettez un nombre égal d'articles autour de lui; De cette façon, vous vous retrouverez avec un nombre étrange d'éléments dans votre travail, ce qui est généralement plus agréable à l'œil. Comme pour la règle précédente, la règle des tiers vous aide à éviter de couper votre travail directement dans le centre.

Pour unifier votre travail, la répétition de certains éléments est essentielle. Par exemple, vous pouvez choisir un symbole ou un motif et le répéter dans certaines zones de votre dessin, peut-être d'une couleur différente ou de plus petite taille. Cela établit un motif dans votre pièce et aide à avoir un sens pour le spectateur. Il est important de ne pas trop aborder cela, car vous voulez aussi avoir de la variété dans votre travail.

Perspective
Développer une perspective est une compétence fondamentale dans l'art, et c'est ce qui donne à votre travail un sentiment de profondeur et de distance. En dessin, la perspective soutient que les objets deviennent plus petits à mesure qu'ils se dirigent vers l'arrière-plan d'une image, tandis que les objets plus gros sont au premier plan (avant) de l'image.

Perspective linéaire et aérienne sont tous les deux importants pour les artistes. La perspective linéaire peut être divisée en une perspective en 1 point, 2 points ou 3 points. La perspective d'un point est l'endroit le plus simple pour commencer. Pour l'utiliser, vous avez juste besoin d'une vue et d'un point fixe.

Si vous dessinez une église, votre point de vue sera ce que vous voyez devant vous avec la tête droite, et le point fixe peut être tout ce que vous choisissez, comme une statue devant vous. Vous dirigerez les yeux du spectateur vers la statue en utilisant deux choses: un point de disparition et une ligne d'horizon. Le point de fuite peut être n'importe quel point au loin sur lequel vos yeux se reposent naturellement --- dans une église, ce pourrait être un point sur un mur éloigné.

Votre point de disparition est incorporé dans votre ligne d'horizon, qui est une longue ligne horizontale plate du ciel (ou du sol, à l'intérieur) qui s'étendra à gauche et à droite de votre dessin et même hors de votre image. La perspective est un outil assez complexe et prend de nombreuses formes différentes, mais ce sont les bases de l'établissement d'une perspective d'un point, qui donne une dimension et un aspect naturel à votre travail.

Les éléments de dessin essentiels de la composition, de l'équilibre, de l'unité et de la perspective se trouvent dans toutes les formes d'art. Bien que les danseurs et les musiciens auront des définitions et des approches différentes de ces éléments que les artistes visuels, ils forment un noyau commun entre toutes les disciplines artistiques.

Quel que soit votre domaine, suivre ces principes fondamentaux garantira que votre travail est professionnel, pas amateur, et que vos pièces expriment votre personnalité et communiquent clairement votre message à votre public.