La définition de la théorie auteur et les réalisateurs auteurs célèbres

Dans le cinéma, la théorie de l'auteur est un concept théorique qui s'applique à un cinéaste (le plus généralement un réalisateur) qui crée un film à partir de sa version singulière avec un contrôle créatif important ou total sur le projet. Alors que le film est un médium collaboratif par nature, il existe de nombreux exemples de cinéastes qui présentent une paternité importante sur leurs projets, une pratique qui les établit comme des «auteurs» (auteurs) de ces films. Les films réalisés par les cinéastes auteurs ont souvent un style reconnaissable, qui peut être visuel, thématique ou un autre attribut stylistique.

La théorie auteur a été initialement théorisée par des critiques de cinéma français, y compris André Bazin, et a ensuite été popularisée par le critique américain Andrew Sarris, qui a écrit sur le concept dans un essai influent de 1962 intitulé "Notes on the Auteur Theory."

Saviez-vous?

Dans son livre de 1968 Le cinéma américain, Le critique Andrew Sarris a classé Buster Keaton, Orson Welles, Charles Chapin et Alfred Hitchcock parmi les plus grands réalisateurs de tous les temps.

Premiers films auteurs

Avant que le terme ne soit inventé, il y avait de nombreux exemples de cinéastes qui ont joué des rôles créatifs dominants sur leurs projets, servant plusieurs rôles de réalisateurs, d'écrivains, de producteurs et même d'acteurs. Dans l'ère silencieuse, cela comprenait les comédiens Charles Chaplin (L'enfant, La ruée vers l'or, Les temps modernes) et Buster Keaton (Aller à l'ouest, Le général) et des cinéastes dramatiques comme D.W. Griffith (La naissance d'une nation, Intolérance, Fleurs brisées). Même certaines stars de cinéma populaires avaient établi suffisamment d'industrie pour jouer plusieurs rôles créatifs sur leurs films, comme Douglas Fairbanks sur ses films Arizona (1918), La marque de Zorro (1920), Robin des Bois (1922), et Le voleur de Bagdad (1924).

The Gold Rush (1925) a été écrit et réalisé par Charles Chaplin.

Avec la croissance du système de studio et l'accent mis par les principaux studios sur la production de films de style assemblage, il est devenu moins courant pour un seul individu de jouer dans de multiples rôles créatifs sur un film. Dans certains cas à cette époque, les cinéastes qui ont obtenu un succès artistique ou au box-office ont pu prendre plus de contrôle sur leurs projets. Peut-être que l'exemple le plus connu de cela au cours de l'ère du studio était Alfred Hitchcock, qui, à la fin des années 40.

Hitchcock était une exception plus que d'autres réalisateurs avaient ce type de contrôle artistique à Hollywood. Un autre exemple était Orson Welles, qui est venu à Hollywood avec un pedigree de succès sur la scène de New York et à la radio. Welles a reçu un contrôle presque total sur la production de son premier film, Citizen Kane (1941), qu'il a co-écrit, réalisé, produit et joué dans. Sarris lui-même a écrit un essai déclarant le grand statut du film en 1956, et l'American Film Institute a déclaré Citizen Kane Le plus grand film américain de tous les temps en 1998. Malheureusement, pour plusieurs raisons, y compris que Citizen Kane n'était pas un succès commercial au u.S. Les welles au box-office n'ont jamais apprécié la même mesure de contrôle sur un film de son vivant.

Akira Kurosawa (photo de Sunset Boulevard / Corbis via Getty Images).

Auteurs du cinéma international

Bien que la structure des studios hollywoodiens des années 1950 et 1960 ne permettait généralement pas à de nombreux auteurs, les cinéastes ont pu obtenir un contrôle artistique sur leurs projets dans d'autres pays. Ces auteurs comprenaient:

• France François Truffaut (Les 400 coups)
• Jean-luc Godard en France (À bout de souffle)
• Ingmar Bergman en Suède (Le septième sceau, Fraises des bois)
• Federico Federico Italie (La Dolce Vita, 8 1/2)
• Akira Kurosawa du Japon (Rashomon, Sept samouraïs)

Plusieurs de ces réalisateurs remporteraient le prix de l'académie du meilleur film de langue étrangère, qui est devenu un prix annuel en 1957, attirant plus d'attention sur le style du cinéma auteur.

Le réalisateur Martin Scorsese (à gauche) en tant que «Silhouette Watching Passenger», et Robert de Niro en tant que Travis Bickle dans «Taxi Driver», réalisé par Scorsese, 1976. Collection d'écran argenté / Getty Images

Nouveau Hollywood

À la fin des années 1960 et tout au long des années 1970, les studios Hollywood et indépendants ont offert de nombreux cinéastes, dont beaucoup qui ont été influencés par les auteurs internationaux - l'occasion de créer des films avec un contrôle plus artistique. Ces auteurs comprenaient:

• Woody Allen (Annie Hall, Manhattan)
• Robert Altman (PURÉE, Nashville)
• Francis Ford Coppola (Le parrain, La conversation)
• Stanley Kubrick (Dr. Amour étrange, 2001: A Space Odyssey)
• Terrence Malick (Badlands, Jours de paradis)
• Martin Scorsese (Conducteur de taxi, Taureau furieux)

En raison de ce changement radical d'une approche lourde des studios, cette époque a été surnommée "New Hollywood."En fait, certains cinéastes comme Steven Spielberg (Mâchoires, Rencontres du troisième type) et George Lucas (Graffitis américain, Guerres des étoiles) ont pu faire des projets de studio à gros budget tout en conservant un contrôle créatif sur eux. Cependant, au début des années 1980, les grands studios se sont retirés de l'offre d'offrande à tous les réalisateurs, sauf une poignée de réalisateurs,.

New York, NY - 01 mars: l'acteur Oscar Isaac, le réalisateur Joel Coen et le réalisateur Ethan Coen tournant sur place pour `` Inside Llewyn Davis '' le 1er mars 2012 à New York City. Bobby Bank / WireImage

Auteurs modernes

Alors que certains réalisateurs de "New Hollywood" comme Allen, Scorsese et Spielberg ont continué à travailler en tant qu'auteurs tout au long des années 80 et 1990, une nouvelle récolte de cinéastes auteurs a pu établir leur style avec la montée de distributeurs indépendants comme Miramax et Gramercy Pictures and Studios Les étiquettes "spécialisées" comme Fox Searchlight Pictures et Sony Pictures Classics, qui a publié des films à petit budget dans les salles d'art. Ces cinéastes incluent:

• Paul Thomas Anderson (Magnolia, Il y aura du sang)
• Wes Anderson (Les Royal Tenenbaums, Le Grand Budapest Hotel)
• Tim Burton (Edward Scissorhands, Alice au pays des merveilles)
• Joel et Ethan Coen (Fargo, Il n'y a pas de pays pour les vieillards)
• Steve McQueen (Honte, 12 ans d'esclavage)
• Lynne Ramsay (Nous devons parler de Kevin, Tu n'as jamais vraiment été là)
• Quentin Tarantino (Pulp Fiction, Kill Bill)

Certains de ces cinéastes, comme Burton et Tarantino, ont réussi à travailler sur des projets avec des budgets importants et un soutien en studio, tout en conservant leurs propres styles de cinéma.

Avec l'essor actuel de la production de films numériques et un nombre croissant de plateformes de contenu, il est devenu plus courant pour les cinéastes de créer leurs propres projets à faible budget sous leur propre contrôle artistique.